Lassen Sie uns sofort über Subjektivität sprechen.
Subjektivität in der Kunst beunruhigte bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts niemanden, da sie als kein bedeutender Faktor in ihrer Wahrnehmung angesehen wurde (streng genommen interessiert sie auch heute noch nur wenige Menschen außerhalb der Reaktion der Forscher).
Der Rest der Kunstgeschichte des Werkes wurde nicht durch das bestimmt, was sie darüber dachten, sondern durch die Art und Weise, wie es geschrieben wurde. Die Stumpfheit ergab sich aus Form, Komposition, Farbe.
Als Konsequenz - ja, vielleicht kann man sagen, dass sich die Malerei in Europa nach der Renaissance bewusst die Aufgabe gestellt hat, interessant zu sein. Dies manifestierte sich in Giottos Emotionalität, Golbeins Enzyklopädie, Carravaggios Drama, Rembrandts Psychologie, Courbets Radikalität, Picassos Avantgardismus.
Aber Europa ist nicht die ganze Welt, und jeder, der es eilig hat, etwas über alle Kunst zu sagen, sollte sich dies immer vor Augen halten.
Beginnen wir mit zwei Konzepten: Sänger und Gitarrist sind zwei verschiedene musikalische Berufe. Es gibt in der Geschichte keinen Musiker, der sowohl ein hervorragender Sänger als auch ein wunderbarer Gitarrist ist. Es gibt großartige Sänger, die ein wenig Gitarre spielen, und erstaunliche Gitarristen, die auch ein wenig singen können. Im ersten Fall erweist sich die Gitarre als sehr praktisch, denn der Künstler sieht auf der Bühne spektakulär aus. Gleichzeitig kann er es jederzeit verschieben - es gibt immer einen Musiker in der zweiten Reihe, der wirklich für den Gitarrenpart verantwortlich ist, so wie es Presley war. Wenn Sie sich für Musik, Gitarre spielen und singen begeistern, müssen Sie sich entscheiden. Falls Ihre Stimmdaten gut genug sind, entwickeln Sie diese Gabe. Sie werden gerne als Frontmann in die Band aufgenommen, auch wenn Sie kaum oder gar nicht auf einem Instrument herumschweifen können.
Ein guter Gitarrist ist nicht jemand, der schnelle Soli spielen kann. Obwohl man natürlich in der Lage sein muss, die Technik zu spielen. Aber das Hauptkriterium ist überhaupt nicht die Technik - jeder kann sie lernen und beherrschen. Aber als "Gitarrengott" gilt Eric Clapton, der in jeder Wertung der besten Gitarristen der Welt unter den ersten drei, wenn nicht sogar an erster Stelle steht und den Spitznamen "langsame Hand" trägt. Aber Yngvi Malmstin, der als schnellster Gitarrist aller Zeiten ins Guinness-Buch aufgenommen wurde, kam selbst in die Top Ten solcher Bewertungen und stand nicht nahe dran.
Was ist Claptons Geheimnis? Die Sache ist die: Es ist nicht wichtig, viele Noten zu spielen, man muss die richtigen Noten spielen. Es bedeutet nicht "gefälscht", "sauber", sondern genau den Stil. Deshalb sagte George Harrison bei der Aufnahme seines eigenen Songs "Something" - sehr langsam im Tempo - seinen Beatles-Kollegen, dass er nicht genug Können für ein Solospiel hätte - und lud ihn in Claptons Studio ein.
Wenn man sich die Liste der besten Gitarristen der Welt anschaut, kann man leicht feststellen, dass es praktisch keine Heavy Metal-Bands gibt, die die Fähigkeiten von zahnbrechenden "Sägen" haben. Diese "Sägen" ähneln einander wie Zwillingsbrüder - nur eine Menge Notizen. Aber diejenigen, die als herausragende Meister anerkannt sind: Jimi Hendrix, Jeff Beck, Joe Satriani, Santana, Al Di Meola, Jimmy Page, Brian May, David Gilmour (ein weiterer herausragender "langsamer Gitarrist"), Mark Knopfler (ein recht langsamer Gitarrist, der auch mit den Fingern spielt!) - wir werden es vom ersten Ton an wissen. Jeder hat seine ganz eigene, absolut erkennbare Spielweise, originelle Melodie in Solos und Improvisationen. Alle von ihnen sind übrigens entweder gar keine Sänger oder sehr schwache Sänger (na ja, vielleicht mit Ausnahme von May, der einige stimmliche Daten hat).
Wie erreichen Sie Ihren eigenen Stil? Es gibt keine Antwort auf diese Frage. Jeder dieser herausragenden Musiker ist auf seine eigene Weise zu ihm gekommen. Es gibt nur einen einzigen Ratschlag, der allgemeingültig sein kann: Sie müssen sehr, sehr, sehr viel spielen, verschiedene Stile ausprobieren und, nebenbei bemerkt, Ihre Technik verbessern. Die Erfahrung wird Ihnen sagen, was Sie als nächstes tun sollten.
Es ist meine persönliche tiefe Überzeugung, dass Beethoven, wenn er heutzutage geboren wäre, wahrscheinlich in einer Heavy-Metal-Band spielen würde. Und Paganini wäre wahrscheinlich ein ernsthafter Konkurrent von Jimi Hendrix. Die großen Musiker und Komponisten der Vergangenheit waren fast alle rebellisch. Selbst der superernsthafte Bach hatte den Ruf eines Skandalisten. Sie stürzten die etablierten Kanons und stellten neue Regeln auf. In einer verständlicheren Sprache waren sie Punks in der Weltanschauung. Durch die Dicke der Zeit von uns entfernt, erscheinen sie uns als Lackklassiker, aber ihre Zeitgenossen behandelten sie genau wie musikalische Hooligans. Die Uraufführung von Bizets Oper Carmen endete mit einem monströsen Scheitern und Buhen. Skrjabins symphonische Gedichte waren ein Skandal. Strawinskys Ballette wurden in Frankreich aufgeführt, weil sie in Russland wegen "schlechten Geschmacks" für die Bühne gesperrt waren. "Und umgekehrt - Paul McCartney mit seinem melodischen Talent wird gemeinhin mit Schumann verglichen. Herausragende Musiker aller Zeiten eint ihre Experimentierfreudigkeit und ihr Wunsch, etwas Neues, Eigenes zu machen.
Zeitgenössische Musiker würden sicherlich eine gemeinsame Basis mit "Kollegen" der vergangenen Jahre finden. Die wichtigste Lebensregel der Rocker lautet "Sex, Drogen und Rock'n'Roll". Und nun erinnern wir uns an den Namen von Strauss' populärstem Walzer, der vor 150 Jahren geschrieben wurde: "Wein, Frauen und Lieder". Man muss zugeben, dass Musiker jeder Zeit ein Stamm von gleichem Blut sind.
Jazz ist keine komplizierte Musik. Jazz ist Musik, die kleine Fähigkeiten erfordert. Schließlich können Sie Fahrrad fahren, oder Sie können Auto fahren. Und es ist einfacher, ein Dreirad zu fahren als ein Zweirad. Wir brauchen Zeit, um mit dem Fahrrad zur nächsten Etappe zu gelangen. Denn die Menschen können ihr ganzes Leben lang ein Dreirad fahren, aber aus irgendeinem Grund wollen sie mit zunehmendem Alter ein Zweirad fahren. Das liegt daran, dass sie gelernt haben, das Gleichgewicht zu halten. Sie beginnen ohne Hände zu fahren, dann stellen sie fest, dass Geschwindigkeit und Manövrierfähigkeit auf einem zweirädrigen Fahrrad höher sind. In der Musik ist es dasselbe. Zuerst hören wir uns einfache Musik an. Wir finden es interessant, wir genießen einfache Melodien, schön. Konsonanz, alles klingt schön.
Das Einfachste ist die populäre Musik, bei der derselbe Refrain wiederholt wird, bei der man sich an das Lied erinnern kann. Jeder erinnert sich an die so genannte Hookline, durch die das Lied zu leben beginnt. Sie wird dann viele Male wiederholt.
Ja, dieses Fahrrad ist Popmusik. Ein Dreirad kann auch gut sein, es ist nicht schlecht. Aber es ist einfach, die Regeln für seine Verwendung sind schnell zu merken. Hier ist ein Lied: "Unser Nachbar". Es heißt "Papa, Papa, pam-pam-pam-pam-pam-pam-pam-pam-pam-pam-pam", an das sich jeder erinnert. Es macht zwar keinen Sinn, aber es gefällt allen. Das Lied wurde von einem Freund unserer Familie geschrieben. Alle haben es geliebt. Er spielt tatsächlich Jazz. Oder Paul McCartney's Lied, "Ho-hey-ho! Ho-hey-ho-ho!" Jeder erinnert sich an diesen einfachen Satz, der keinen Sinn macht. Nun, dies ist ein Dreirad. Es ist gut, es ist schön. Manchmal ist es schwieriger zu erfinden als das schickste 25-Gang-Rad.
Oder wir könnten auch eine Analogie zu Lebensmitteln ziehen. Wir trinken zuerst Mamas Milch - sie ist so lecker. Dann wachsen uns Zähne, wir wollen kauen. Dann wollen wir etwas Salziges, dann wollen wir Pfeffer. Geschmäcker und Empfindungen ändern sich ständig. Man kann einfach bei etwas stehen bleiben und nicht nach Raffinesse suchen, aber irgendwann braucht das Gehirn neue Nahrung, neue Empfindungen, um das Leben vielfältiger zu gestalten. Neue Empfindungen tauchen auf, Menschen, die lesen, moderne Literatur, moderne Kunst verfolgen, über Geschichte lesen, sie haben einen wissbegierigen Geist. Und so hört man auf, einfache Musik, ohne Pfefferkorn, zu mögen. Menschen beginnen, Bedürfnisse für ihre Gehirne, für ihre Ohren in komplexer Musik, in Klassikern zu finden. Aber es gibt Klassiker - Mozart, Beethoven, und es gibt Klassiker, die sich sogar von den üblichen Klassikern unterscheiden.
Dann finden sie Interesse am Jazz, der einerseits komplexe Musik ist. Man muss es sich anhören und verstehen, sich an die Geschwindigkeit gewöhnen, die im Jazz vor sich geht. Wenn es sich um eine komplexe Improvisation handelt, kann es schwierig sein, die Melodie einzufangen. Und warum ist es schwierig? Weil es sehr schnell geht, und in dem Fluss dieser schnellen Noten ist es schwer, die Leinwand zu erfassen. Aber wenn man sie ein bisschen öfter hört, wenn der neugierige Geist sich zu konzentrieren beginnt und die Aufmerksamkeit konzentriert ist, dann wird diese Melodie, die die Musiker schnell spielen, plötzlich klar. Es fängt plötzlich an, einen zu faszinieren, wird wie eine Geschichte. Man kann es lesen - lesen, manchmal kann man sogar müde werden, und dann plötzlich verwandelt sich diese Silbe in solche Musik und solche Eindrücke geben Emotionen, entfalten Ihr Verständnis. So ist Jazzmusik in ihrer besten Version. Melodie, Rhythmen, Verschiebung von Rhythmen und Akzenten - alles unerwartet, aber es gefällt Ihnen. Es gibt Ihnen einen neuen Geschmackssinn, einen neuen Rausch der Emotionen. Das Gehirn beginnt sich zu entspannen, es bekommt plötzlich nicht mehr die gleichen Impulse, sondern immer wieder andere. Es lässt das Gehirn arbeiten, aber gleichzeitig ermöglicht es Ihnen, sich zu entspannen. Es ist schwer zu erklären, aber Jazz hat seine eigenen Merkmale. Es gibt lyrischen Jazz: Es werden wunderschöne Balladen gespielt, bei denen man die Melodie und herrliche neue Harmonien hören kann.
Deshalb ist Jazz gar nicht so kompliziert, man muss sich ihm nur richtig nähern. Man muss den Wunsch haben, sich zu entwickeln, sein Gehör, sein Gedächtnis und seine Sichtweise zu entwickeln. Wenn Sie anfangen, Jazz zu hören, gibt es Louis Armstrong im Jazz, dessen Lieder jeder kennt, es gibt Bobby McFerrin, Don't Worry, Be Happy too. Es gibt Take Five, es gibt Glenn Miller, dessen Musik jedem bekannt ist, von klein bis groß. Es ist auch alles Jazz. Nehmen Sie populäre Lieder aus den 1930er und 1940er Jahren. Und die Harmonien sind Jazz. Und Lieder wie "Five Minutes" sind auch eine sehr schwierige Melodie. Wenn Sie es auf Notizen festhalten, wird es nicht so einfach sein. Und es ist nicht so einfach, es zu singen. Es hat auch etwas mit der Entwicklung der Jazzmelodie zu tun.
Jazz ist also nicht kompliziert, es ist anders. Es kann sehr kompliziert, vielleicht sogar chaotisch sein. Einige der Jazzmusiken mag ich nicht besonders. Aber Sie können Elemente aus jedem beliebigen Jazz in eine Improvisation einfügen und daraus eine Art musikalische Geschichte machen, wobei Sie beliebige musikalische Techniken sowohl der Klassik als auch des Jazz verwenden können. Es gibt auch Pop-Jazz, der allgemein populär ist und im Radio erklingt. Jazz ist beständig. Viele Leute wissen nicht einmal, dass es Jazz ist. Ich denke, diese Musik ist vielfältig und interessant.
Es gibt auch schlechte Beispiele für Jazz. Manchmal bezeichnen Musiker ihre Musik unverantwortlicherweise als Jazz, ohne zu lernen, weder Jazz noch Klassik zu spielen. Deshalb ist der Jazz manchmal so eine Projektionsfläche für alles: für gute und leider auch für schlechte Musik.
Zeitgenössische Komponisten sind eher erfolgreich, weil sie Filmmusiken schreiben oder, etwas seltener, ihre Werke als eigenständige Alben veröffentlichen.
Zu den ersten, die dies tun, gehören Hans Zimmer. Zimmers Soundtracks sind so lebendig sind, dass alle Emotionen, nicht einmal das eigentliche Bild des Films oder die Mimik der Schauspieler, das widerspiegeln können.
Als nächstes möchte ich den isländischen Komponisten Olafur Arnalds und die Italiener Ludovico Einaudi nennen. Ihre Werke sind sehr sinnlich, mit einem individuellen Stil, der sie von vielen anderen zeitgenössischen Komponisten unterscheidet. In Arnalds Musik kann man den nordisländischen Wind hören. Der Musiker vermittelt in seinen Werken Gefühle, die so vielfältig sind wie die Landschaften Islands: von der Verzweiflung bis zur warmen Elternliebe.
Der südkoreanische Komponist Yiruma: Sie haben wahrscheinlich schon sein berühmtestes Werk "Der Fluss fließt in dir" kennen gelernt (oder gehört).
In meine Liste der besten Komponisten gehört auch... Max Richter. Seine Werke haben Anklänge an Klassiker, und im Allgemeinen wird die musikalische Richtung, in die er schreibt, Postminimalismus genannt. Zu Richters Werk gehören auch Soundtracks wie "Über die Natur des Tageslichts".
Der letzte Name, den ich nennen möchte: Daniel Kulikovskih. Jetzt wirbt er auf verschiedenen Internetseiten für seine Arbeit (2020 veröffentlichte der Musiker ein neues Album "New Story"), und vielleicht ist Daniel noch nicht allgemein bekannt, aber ich glaube, dass er bald ein erfolgreicher Künstler sein wird.
Analysieren Sie zunächst genau, was Ihnen an Ihrer Stimme nicht gefällt:
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Sie denken, Ihre Stimme klingt eingeklemmt, "am Hals", Mit Hilfe von Übungen können Sie die Stimme "senken", damit sie aus Ihrem Brustkorb erklingt. Suchen Sie nach Übungen für die Schallextraktion.
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Tembra? Vielleicht empfinden Sie Ihre Stimme als zu hoch und quietschend? Oder, im Gegenteil? Mit Übungen können Sie das Timbre Ihrer Stimme harmonisch gestalten. Fügen Sie, falls erforderlich, ein kleines Klingeln hinzu. Oder, umgekehrt, die niedrigen Frequenzen.
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Intonation? Vielleicht kommunizieren Sie zu eintönig? Mit der gleichen Stimmung in Ihrer Stimme? Erklingt Ihre Stimme in der gleichen Tonlage und drückt nicht die Gefühlsnuancen aus, die Sie vermitteln möchten? Dann machen Sie Ihre Intonationsübungen.
Dies sind die grundlegenden Merkmale. Es gibt auch Tonumfang und Diktion, aber sie haben weniger Einfluss auf die Wahrnehmung der Stimme. Für Gespräche ist es natürlich gut, die Reichweite nach unten zu entwickeln. Und für das Singen, sowohl nach unten als auch nach oben. Und eine klare Diktion hat bisher auch noch niemanden gestört. :) Doch zunächst sollten Sie sich mit dem Ton, der Klangfarbe und der Intonation befassen.
Und dann suchen Sie im Internet nach einer Vielzahl von Übungen und Training. Mit der Zeit werden Sie dazu in der Lage sein, Ihre Stimme Ihren Interessen entsprechend anzupassen.
Ich wünsche Ihnen Erfolg!
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Kurz über die Funktionen des Dirigenten im Orchester:
Rhythmisch, synchronisierend: Die Gesten des Dirigenten sind immer ein rhythmisches Taktraster, wenn man auf die Hände des Dirigenten schaut, Orchestrate und Sänger beginnen, spielen und beenden ihre Rollen in einem einzigen Rhythmus.
Dynamisch, musikalisch: Die Hände des Dirigenten zeigen den Musikern die Dynamik, laute und leise Stellen, sanfte und hochwertige Übergänge, Akzente und Nuancen. In dieser Hinsicht arbeitet der Dirigent wie ein riesiges Ohr oder wie ein Mehrkanal-Tonmeisterpult: Der Dirigent ist es, der das dynamische Gesamtbild des Werkes zusammenfasst und die Orchestergruppen und Einzelinstrumente ausbalanciert.
Ästhetik: Lange vor der Probe studiert der Dirigent die Partitur und entwirft ein Aufführungskonzept, das sowohl das oben erwähnte Tempo und die Dynamik als auch spezifischere Dinge berücksichtigt: Es entsteht eine Interpretation des Werkes, die der Dirigent dem Publikum durch das Orchester vermitteln muss.
Organisatorisch: Diese Rolle des Dirigenten ist ebenfalls sehr wichtig. Die vier Musiker, die sich in der Garage versammeln, um Rock auf drei Akkorden zu spielen, streiten stundenlang darüber, was und warum sie spielen sollen. Sie können sich vorstellen, was aus einer Probe von Hunderten von verschiedenen Musikern wird, wenn sie keinen Leiter haben, jemanden, der sowohl die Probenarbeit als auch die Konzertaufführungen plant. Die Demokratie in diesen Angelegenheiten funktioniert in der Regel nicht, nicht ohne Grund wurde einer der größten Dirigenten des XX. Jahrhunderts, Herbert von Karajan, oft als "Hitler in der Musik" bezeichnet.
Sie haben keine Ahnung, wie oft ein Sänger oder ein Instrumentalist tatsächlich dasselbe Lied wiederholen oder spielen muss. Ein Konzert ist die Spitze des Eisbergs. Und Konzerte finden nicht nur 30 Tage hintereinander statt. Es gibt 90 und mehr, und 3 Konzerte pro Tag. Aber das Hauptwerk eines Künstlers sind die Proben.
Es ist eine Arbeit, für die er seit seiner Kindheit ausgebildet wurde. Im Alter von fünf bis sechs Jahren, wenn das Standardtraining beginnt, muss das Kind jeden Tag mehrere Stunden mit dem Instrument sitzen und endlos die langweiligen Skalen und Übungen wiederholen. Für viele verursachen diese Aktivitäten einen starken Hass auf die Musik für den Rest ihres Lebens. Wer anfängt, Freude daran zu finden, wird Musiker. Aber das ist erst der Anfang. Ein Student an einem Konservatorium studiert 6-8 Stunden pro Tag, um ein komplexes Programm zu meistern. Keine Wochenenden. Wenn er ein Star wird, ein berühmter Konzertmusiker, braucht er nur 2-3 Stunden täglich zu proben, um seine Technik zu erhalten. Die Konzerte kommen zusätzlich. Es gab nur einen berühmten Künstler in der Geschichte, der, nachdem er Anerkennung erlangt hatte, nie geprobt hat - das ist Paganini. Aber er ist ein Unikat und es ist ein bisschen anders.
Was die Sängerinnen und Sänger betrifft, so müssen sie sich natürlich um die Bänder kümmern, aber Tonleitern, Gesang, spezielle Übungen und das Wichtigste: die endlose Wiederholung eines Liedes - das alles ist in vollem Umfang vorhanden.
Standardarbeitsmodus für einen professionellen Künstler - Sänger oder Band: morgens Probe - mindestens 4 Stunden. Am Tag des Konzerts oder des Umzugs am Morgen gibt es vielleicht keine Probe, aber es gibt eine Probe vor dem Konzert - eine oder zwei Stunden. Es ist notwendig, sich anzupassen, die Konzertbühne zu "erfühlen". Minimum - Ton - Kontrolle (eine halbe Stunde).
Zirkusartisten sind noch härter: Tägliche Morgenproben - mindestens 6-7 Stunden, Aufführungen am Abend, zwei am Freitag und Samstag, drei am Sonntag. Ein Tag in der Woche - ein freier Tag (Montag). Ein ganzes Leben lang. Sonst würde der Jongleur anfangen, seine Ringe fallen zu lassen. Und sie lieben ihre Arbeit, sie kotzen nicht. Respektieren Sie die Zirkusartisten, sie sind Arbeitsfanatiker. Ja, es ist eine Menge Arbeit. Es gibt auch Pannen.
Dieser Zuschauer, bequem in einem Stuhl sitzend, entspannt sich und genießt die Musik. Künstler auf der Bühne sollten an viele andere Dinge denken: tanzen oder sich einfach nur synchron zum Tanz bewegen, rechtzeitig in den Lichtstrahl treten, rechtzeitig das Mikrofon ein- oder ausschalten, sich nicht vom Tonträger trennen, dafür sorgen, dass der Klang der Stimme ins Mikrofon gelangt, nicht vorbei, den Text des Liedes nicht vergessen, usw. Alles, was Sie auf der Bühne sehen wurde endlos oft gelernt und geprobt. Anders geht es nicht.
Erst danach kann sich der Künstler auf der Bühne wohlfühlen, mit dem Publikum kommunizieren und sich darauf verlassen, dass er Zeit hat, rechtzeitig in den vertonten Tonträger einzusteigen.
In der Tat, unter den Bedingungen der endlosen Wiederholung funktioniert eine große Zahl von Menschen. Der Hausmeister fegt jeden Tag den gleichen Hof, der Sportler geht zum täglichen Training, der Arbeiter am Förderband zieht die Mutter an, usw. Aber nur der Künstler hat einen riesigen Bonus: einen vollen Saal, Applaus, schreiende "Zugabe" und "Bravo", wenn er ein Lied oder Stück zum hundertsten Mal gesungen oder gespielt hat - aber es gelang ihm, seine Seele in seine Darbietung zu stecken. Moralische Befriedigung ist teuer. Niemand wird zu einem Drechsler oder Hausmeister "bravo" sagen, obwohl auch sie Meister ihres Fachs sind.
Wird das Lied jemals des Sängers müde? Natürlich tut es das. Aber es ist einfacher für ihn - im Gegensatz zu einem Drechsler kann er sein Repertoire aktualisieren. Als Standard für berühmte Interpreten gilt, dass der erste Teil des Konzerts neue Werke, der zweite Teil - alte Hits - sind. Ohne sie gibt es keine Möglichkeit, das Publikum wird immer noch fragen. Wenn sie nicht auf Bekanntes zurückgreifen, wird der Unzufriedene gehen. Alles hier ist individuell. Paul McCartney komponierte 1965 das Lied "Yesterday". Und bis heute hat er es seit 55 Jahren bei jedem Konzert aufgeführt. Und jedes Mal tut er es aufrichtig, von ganzem Herzen. Die Menschen warten auf dieses Lied, und Sir Paul geht auf die Bühne, um den Menschen Freude zu bringen. Er macht es gerne - er macht es schon lange nicht mehr für Geld.
Wenn Sie das Glück haben, zum "Eagles"-Konzert zu kommen (sie treten immer noch auf) und Sie hören "Hotel California" (1976 komponiert) nicht, werden Sie sich betrogen fühlen. Aber sie werden auf jeden Fall auftreten.
Es gibt einen weiteren wichtigen Moment in den darstellenden Künsten. Der Zuschauer spürt immer intuitiv, ob der Musiker auf der Bühne seine eigene Musik genießt oder nicht. Wenn Sie sich also während eines Konzerts im Publikum wohl fühlen - denken Sie nicht, dass dem Künstler übel ist und er leidet. Er fühlt sich auch gut.
Wenn ein Orchester aus hochprofessionellen, gut ausgebildeten Musikern besteht, kann es auf einen Dirigenten verzichten. Es genügt, dass eines der Orchestermitglieder - das erfahrenste - das Tempo für die anderen vorgab und das Intro zeigte, wobei die Musiker streng nach Noten spielen und durchaus in der Lage sind, eine große und komplexe Komposition von Anfang bis Ende zu spielen.
Was stimmte mit solchen Teams nicht?
- Die Musiker mussten sich während der Aufführung sehr genau anschauen. Also mussten sie in einem Kreis sitzen, einige von ihnen mit dem Rücken zum Publikum. In einigen Fällen wurden sehr komplexe Stände gebaut (auch unbequeme).
- Um die allgemeine Einleitung und das Tempo zu zeigen, brauchte man noch einen Musiker, der aus der Begeisterung die passende Geste machte - damit jeder es sehen konnte.
- Aber das war nicht das Hauptproblem. Das Wesen der darstellenden Kunst in der Musik ist nicht die exakte Wiedergabe von Noten, sondern eine Interpretation. Jede Partitur enthält notwendigerweise dynamische Nuancen - entsprechende Anweisungen, die recht weit interpretiert werden können: ritenuto (Verlangsamung), accelerando (Beschleunigung), ad libitum (im freien Tempo), sforzando (scharfe Hervorhebung eines separaten Tons) usw. Wie schnell das Tempo beschleunigt oder verlangsamt werden soll, wie stark die Akzente sein sollen - "kollektiver Orchestergeist" kann solche Probleme nicht lösen. Bei einigen Orchestern wurden diese Probleme durch eine große Anzahl von Proben gelöst, bei denen sich die Musiker auf die "Spielregeln" einigten. Schließlich kamen sie selbst zu der Überzeugung, dass dieser Weg nicht zur Entwicklung der Orchesterkunst, sondern in eine Sackgasse führt.
Wenn Sie bei einem Konzert sehen, dass der Musiker sich an seine Noten gehalten hat und - wie Sie denken - dem Dirigenten keine Aufmerksamkeit schenkt, ist es wirklich wichtig, dass er auf den Dirigentenstab in dem Moment achtet, in dem Sie den gleichen Akzent setzen müssen, das Tempo verlangsamen / beschleunigen, subito piano (plötzliche Lautstärkenreduzierung) und so weiter.
Der Dirigent dirigiert sein Hauptwerk bei den Proben, stoppt das Orchester und erklärt gegebenenfalls mit Worten, welchen Klang er erreichen will. Wenn das Orchester keine Probe versäumt hat, dann weiß er im Konzert bereits, was es in schwierigen Momenten zu tun hat, und der Dirigentenstab ist für das Orchester nur eine "Erinnerung".
Der Dirigent ist ein hervorragender Musiker, der das komplexeste und perfekteste Musikinstrument spielt - das Sinfonieorchester. Er sollte nicht nur die Partitur lesen, falsche Noten hören und ausmerzen können, sondern auch in der Lage sein, das Orchester so zu organisieren, dass die Wirkung eines einzigen Organismus erzielt wird, so dass bei einem Konzert während der Aufführung des Orchesters wirklich wie ein einziges Instrument klingt und ein einzigartiges künstlerisches Bild entsteht.
Die Entstehung und Verbreitung dieses Standards hat, wie so oft, rein technische Gründe. Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts machten die Hersteller der ersten Vinyl-Schallplatten bei der Wahl der Schallplattengröße bei einer runden Zahl halt - genau 10 Zoll (254 Millimeter). Es stellte sich heraus, dass man bei 78 Umdrehungen pro Minute bis zu drei Minuten Musik auf eine solche Platte aufnehmen kann. Es war ideal für die normalste Klangzeit der Lieder jener Zeit: 3 Strophen, 2-3 Chöre, ...
1949 entwickelte die amerikanische Firma RCA einen neuen Plattenstandard: 7 Zoll bei 45 Umdrehungen pro Minute erlaubten es, die gleichen 3 Minuten Musik aufzunehmen. Das Vinyl wurde kompakter und sehr praktisch für die Verwendung in Jukeboxen. Der Name dieses Standards - SP ("Single Play" - "One Song") - ist bisher, auch im Internet, weit verbreitet für Lieder, die nur in digitaler Form vorliegen.
Musikautomaten sind sehr populär geworden und werden auch heute noch verwendet, und das Format eines Liedes von bis zu drei Minuten Länge ist zu einem Weltstandard geworden. Auch die Radiosender haben sich darauf eingestellt - es stellte sich heraus, dass dieses Format für die Erstellung von Playlists und die Einbettung von Werbung am besten geeignet ist, und der Hörer, wenn ihm der Song nicht gefällt, keine Zeit hat, zu einem anderen Sender zu wechseln, weil er weiß, dass der "schlechte" Song bald zu Ende ist.
Auch die Musiker passten sich jeweils diesem Format an, denn Ton auf Sendung ist der treueste Weg zu Ruhm und Popularität.
Mit der Entwicklung der populären Musik gibt es genügend Musiker - Rebellen, die sich nicht um Regeln und Formate scheren, aber dennoch sind die meisten Radiosender dem Standard verpflichtet - es ist einfach einfach für sie, so zu arbeiten.
Sie fragen sich vielleicht - woher kamen die 3 Minuten für die allererste Platte, noch vor allen Standards? Es gibt einen weiteren, rein subjektiven, "menschlichen Faktor". So war es zum Beispiel bei der Etablierung eines anderen bekannten Standards:
Als die Ingenieure von Sony mit der Erstellung der CD fertig waren, zeigten sie die Ergebnisse dem Gründer und Präsidenten des Unternehmens, dem legendären Akio Morita, und stellten die Frage: Wie viele Minuten Musik sollten auf die CD passen? Für Morita, einen leidenschaftlichen Musikliebhaber, gab es keine Optionen - er sagte, es sei wichtig für ihn, alle 4 Teile von Beethovens Neunter Symphonie ohne Unterbrechung von der Laserdisc hören zu können. So entstand ein neuer Klangstandard für eine CD - nicht mehr als eine Stunde und 15 Minuten. Die Neunte Symphonie klingt genau so viel.
Wir müssen davon ausgehen, dass einige der Ingenieure - Erfinder des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die an der Erstellung der ersten Vinyl-Schallplatte arbeiteten - auch einen lustigen Lieblings-Foxtrott hatten, der drei Minuten lang gleich klang.
Wenn Sie schon einmal gesungen haben (Sie singen schon seit einiger Zeit, Monaten oder Jahren), singen Sie normalerweise nach dem üblichen Schema, normalerweise dauert es etwa 15-20 Minuten, 5-6-7 Übungen für verschiedene Aussprachen,... .
Wenn Sie Anfänger sind, müssen Sie länger üben, vielleicht brauchen Sie mehr oder weniger Übungen, die sich auch auf die Besonderheiten konzentrieren, die Sie in den Liedern ausführen möchten.
Dies muss bestenfalls mit einem Lehrer abgestimmt werden.
Nun, warum so weit gehen - ins antike Griechenland? Sie können einen Vertreter eines beliebigen Zeitabschnitts nehmen, der vor Ihrer Großmutter gelebt hat - bis einschließlich Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts. Alle werden die gleiche Reaktion haben: Sie werden einfach nichts verstehen - auch nicht das, was wir Musik nennen.
Der Mensch ist im Grunde ein konservatives Geschöpf, das Traditionen und Gewohnheiten extrem ausgesetzt ist. Ich halte es für angebracht, hier ein Beispiel aus der Geschichte nicht der Musik, sondern der Mode zu geben, das diese menschliche Eigenschaft gut illustriert.
Als 1829 der türkische Sultan-Reformer Mahmud II. durch sein Dekret alle Beamten verpflichtete, den fez-konischen Filzhut von roter Farbe zu tragen, löste dies heftige Proteste aus. Einheimische Kunsthandwerker weigerten sich, die Fes herzustellen, aber der hartnäckige Monarch befahl, sie aus Marokko zu importieren. Ziemlich bald wurden rote Hüte zu einem vertrauten Kleidungsstück.
Hundert Jahre sind vergangen, und der Gründer des modernen türkischen Staates, Mustafa Kemal, hat die Fezes abgeschafft und sie zum Symbol der Ignoranz erklärt (die rote Farbe auf den Köpfen der Soldaten machte sie zu einem perfekten Ziel für Scharfschützen bei Kampfeinsätzen). Was war es also? Es gab einen weiteren Aufruhr.
Es ist bekannt, dass ein Mensch eine absolut einheitliche Arbeit nicht ertragen kann. Früher oder später wird ein Arbeiter hinter einem Fließband psychische Probleme bekommen, wenn er nicht versucht, die Aufgabe irgendwie zu diversifizieren. Verschiedene Experimente haben gezeigt, dass die Person die höchste Arbeitsproduktivität erreicht, wenn der Prozentsatz der Neuheit etwa 20-25% beträgt. Wenn dieser Prozentsatz erhöht wird, beginnt die Effizienz zu sinken, und wenn der Prozentsatz der Neuheit 100% beträgt, ist die Effizienz gleich Null. Setzen Sie den Taxifahrer in die Kabine des Spaceshuttles und befehlen Sie ihm, zu starten. Was werden Sie bekommen? Völlige Faszination.
Die alten Griechen, die Bewohner des 18. oder 19. Jahrhunderts kennen weder solche Klänge, noch solche Instrumente, noch solche Rhythmen, die uns vor langer Zeit vertraut geworden sind. Der Grad der Neuheit wird für sie in der Regel bei hundert Prozent liegen. Dementsprechend werden wir von einem unzufriedenen Zuhörer nur Entsetzen und Schock bekommen. Vielleicht wird er entscheiden, dass er in das Reich des Hades eingetreten ist - oder bereits den Olymp bestiegen hat - und wieder sterben will.
Bringen Sie den roten Fez zurück, damit man sich glücklich fühlt. :D
Es gibt zwei Systeme der Lehre über den Grad der Verwandtschaft von Tonalitäten: Moskau und St. Petersburg. Sie unterscheiden sich nur dadurch, dass bei vier Grad die Tonalitäten des zweiten Grades in zwei aufgeteilt sind.
- Der erste Grad der Verwandtschaft der Tonalität: Dazu gehören 6 Tonalitäten - jene Tonstrukturen, deren Tontripel auf den Schritten des Gamma der ursprünglichen Tonalität aufbauen. Das ist es. (Lacht)
- parallele Tonalität (alle Klänge sind gleich);
- 2 Tonalitäten - dominant und parallel dazu (Unterschied in einem Klang);
- 2 weitere Tonalitäten - subdominant und parallel dazu (auch die Differenz um ein Schlüsselzeichen);
- die letzte, sechste, Tonalität - hier sind Fälle - Ausnahmen zu beachten (im Dur ist es die Tonalität der Subdominante, aber in der Molltonvariante, und im Moll - die Tonalität der Dominante, auch unter Berücksichtigung der Veränderung der VII. Stufe in der harmonischen Moll und damit Dur).
Zweiter Verwandtschaftsgrad. Es gibt 12 Tonalitäten in dieser Gruppe (von denen 8 die gleiche Größenordnung wie die ursprüngliche Tonalität haben und 4 von der entgegengesetzten Art sind). Hier, zu den Tonalitäten des ersten Grades der Verwandtschaft, die bereits gefunden wurden, werden Partner gesucht - ihr eigener Satz von Tonalitäten.... des ersten Grades. Das heißt, es gab sechs Tonalitäten, sechs weitere für jede von ihnen, und 6x6 von ihnen nur 36 - eine gewisse Unermesslichkeit! Kurz gesagt, es werden nur 12 neue Töne aus allen gefundenen Tönen ausgewählt (sie erscheinen zum ersten Mal). Sie werden einen Verwandtschaftskreis zweiten Grades bilden.
Dazu gehören fünf Tonalitäten, die im Vergleich zu den ersten keine gemeinsame Triade aufweisen. So sind die Tonalitäten des dritten Grades der Verwandtschaft die Tonalitäten des ersten Grades der Verwandtschaft zu den Tonalitäten des zweiten Grades der Verwandtschaft. Verwandte der Verwandtschaft.
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